Le Portrait, Reflet De L'Âme Humaine

me, le sceptre rappelant que le roi guide l’ensemble de ses sujets, la fleur de Lys symbolisant la puissance de Dieu (du roi ?). Ce portrait n’a pas d’autres buts que de nous montrer la puissance du roi ainsi que son aspect physique.

On peut dire également que certains portraits permettent seulement à des artistes de brandir leurs techniques montrant ainsi leur talent. C’est notamment le cas dans le portrait d’Amélia Van Buren de Thomas Eakins. Cette huile sur toile de 114,3 x 81 cm date de 1891 est conservée à la Phillips Collection à Washington D.C. On peut dire ici que la représentation d’Amélia Van Buren ne vise pas à la valoriser : En effet, elle a l’air pensive, lassée, ennuyée. Le peintre veut avant tout montrer un savoir-faire exceptionnel, par la mise en valeur d’une transcription saisissante de la réalité, à un moment où les peintres et photographes se disputent le champ sur la question du réalisme. Thomas Eakins choisit donc une représentation réaliste afin de concurrencer la photographie : Il joue sur le passage de la netteté au flou, on peut l’observer près de l’accoudoir à gauche, ainsi que sur le choix du sujet, la texture, les couleurs très réalistes… De plus, les plis sur la robe d’Amelia et l’effet de brillance accentuent l’effet réaliste. Ce portrait témoigne donc du talent de Thomas Eakins, il ne reflète pas vraiment « l’âme ».

Le portrait permet aussi par sa signification, ses symboles de « raconter » quelque chose. On peut prendre pour exemple le portrait de Gabrielle d'Estrées et de sa sœur la duchesse de Villars réalisée en 1594 par un artiste inconnu, cette œuvre est une huile sur panneau de chêne, elle mesure 96 cm x 125 cm et est conservée au musée du Louvre à Paris. Ce tableau représente deux jeunes femmes nues dans une baignoire, la femme à gauche est la duchesse de Villars, elle pince le sein de sa sœur Gabrielle d’Estrées. Ces deux femmes mises en avant au premier plan, le grand rideau rouge ouvert sur ces deux femmes leur sert de cadre, on remarque un drap blanc qui est posé sur le bord du bain. A l’arrière plan se trouve une couturière, une table recouverte d’un drap vert, une cheminée allumée et au-dessus un tableau qui montre le bas du corps d’un homme nu recouvert d’une couverture. Cette peinture est très symbolique. En effet, la nudité omniprésente en premier plan attire le regard d’autant plus qu’elle se détache sur un fond sombre. Le sein pincé de Mme d’Estrées exprimer à l’époque un indice de grossesse, résultat de ses amours avec le roi Henri IV. C’est une peinture qu’il faut donc comprendre par des symboles, loin d’une scène limitée à une baignoire et deux personnages nus même si elle ne nous permet pas d’en savoir beaucoup plus sur leurs sentiments.

Mais le portrait a surtout un but précis : devenir le reflet même de l’âme humaine. Parfois à travers sa signification, il permet de traduire à une personne spectatrice les sentiments, l’état d’être, la personnalité, les qualités, les défauts du sujet représenté ou de l’auteur. Ainsi, l’huile sur toile de l’autoportrait de Vincent Van Gogh datant de 1889 et conservée au Musée d’Orsay ayant pour dimensions 410 x 500 cm permet de montrer Van Gogh dans son état intérieur. Van Gogh utilise les formes, les couleurs afin de s’exprimer et de montrer ce qu’il ressent : Il se présente de trois-quarts, légèrement tourné vers la gauche, le point de fixation est sur son visage où paraissent des traits durs et sévères, Van Gogh a l’air fatigué, malade, usé. Son regard anxieux et inquiétant traduit que Van Gogh est mal en point. Le bleu du fond se veut rassurant mais des coups de brosse donnés de manière énergique sous forme d’ondulations témoignent d’une instabilité, de quelque chose de gênant chez l’artiste. De même la couleur rouge/orange insiste sur son mal-être, comme si quelque chose « brûléer » au fond de lui. Ses expressions transmettent un véritable cri déchirant de la part de l’artiste, son portrait ne s’arrête pas à son physique, il témoigne de sa vie, de ses sentiments.

L’artiste peut également exposer des qualités concernant le sujet représenté comme dans le portrait du critique Julius Meier-Graefe de Lovis Corinth. Ce tableau est une huile sur toile, il date de 1917. Il mesure 90.4 x 70.4 cm et est au Musée d’Orsay à Paris. Ici, Julius Lovis Corinth met en scène un portrait expressionniste de Meier-Graefe, il y a une composition très sobre et aux tons monochromes. Le critique est représenté assis légèrement en biais, appuyé au dossier de son siège, ses deux mains croisées devant lui introduisent une distance vis-à-vis du spectateur. Il a un visage sévère esquissant un léger sourire. Corinth souligne donc la position distanciée du critique, qui observe et analyse les œuvres et les idées ; l’éclairage focalisé sur le visage et la tête du personnage insiste sur son caractère intellectuel. Cette œuvre, souligne donc les traits de Julius Meier-Graefe, elle nous révèle ses